Corps / Machines

Texte curatorial complet

Entre carrosseries saturées de chrome, corps sculptés jusqu’à l’excès, figures carnavalesques perchées au-dessus des foules ou lutteurs emprisonnés dans la résine, les œuvres réunies dans cette exposition interrogent une même pulsion contemporaine : celle de dépasser sa condition ordinaire par la fabrication d’une image de soi.

Les artistes présentés ici s’intéressent à des pratiques souvent considérées comme périphériques, excessives ou populaires : le tuning dekotora japonais documenté par Louise Mutrel, les univers du bodybuilding et des sports de combat explorés par Pauline Rousseau, ou encore les cultures carnavalesques caribéennes filmées et photographiées par Shari Petti. Pourtant, loin de la fascination documentaire, ces œuvres révèlent des espaces où s’inventent des formes complexes de beauté, de puissance symbolique et d’émancipation collective.

Dans chacun de ces univers, le corps devient une surface de métamorphose. Il se travaille, se discipline, se costume, se prolonge dans la machine ou se dissout dans le collectif. Les frontières entre humain et objet, individu et groupe, quotidien et fiction deviennent poreuses. À travers ces pratiques émergent des figures hybrides, à la fois profondément populaires et traversées par une forme de sublime contemporain.

Avec Only You Can Complete Me, Louise Mutrel s’intéresse à l’univers des dekotora, mouvement japonais de customisation de camions apparu dans les années 1970, où les poids lourds se transforment en architectures mobiles saturées de chrome, de lumières, de peintures et d’ornements. Entre iconographies sacrées, influences futuristes et références traditionnelles, ces véhicules deviennent des assemblages hybrides où se mêlent folklore contemporain et imaginaire de science-fiction. Dans la culture dekotora, le camion fonctionne comme un double de celui qui le conduit : une projection spectaculaire de soi, à travers laquelle s’expriment récits personnels, croyances, signes d’appartenance et désir de distinction. Ces machines deviennent alors des avatars mobiles, des armures mécaniques exposées collectivement lors de rassemblements où les conducteurs paradent, échangent et donnent forme à un véritable vocabulaire visuel commun.

Les œuvres de Pauline Rousseau déplacent cette question vers le corps masculin lui-même. Dans Les Muscles, le bodybuilding apparaît comme une fabrique d’idéal où le corps se sculpte jusqu’à devenir image de puissance et de perfection. Mais cette représentation est immédiatement troublée par le regard de l’artiste. À travers un female gaze assumé, Pauline Rousseau déplace les codes traditionnels de la représentation virile pour en révéler les ambiguïtés, les tensions et les contradictions. Ses photographies mettent en scène des corps performants, désirants, vulnérables ou ambivalents, tout en soulignant la dimension profondément construite de la masculinité. Dans Masculinité Visqueuse, les corps engagés dans le jiu-jitsu se nouent, se dominent, se touchent et deviennent presque indistincts. Ce qui semblait stable bascule alors vers une zone plus trouble où le combat devient étreinte, où la virilité devient sensible et où le corps, figé dans la résine, finit par devenir objet.

Les vidéos et photographies de Shari Petti ouvrent quant à elles l’exposition vers une dimension collective et diasporique. En filmant les Moko Jumbies, les carnavals ou les célébrations du J’ouvert dans les Caraïbes, elle capte moins un spectacle qu’une énergie physique, sociale et spirituelle. Corps perchés, foules couvertes de peinture, danse, musique, costumes et mouvements collectifs produisent des images où l’individu semble momentanément dissous dans une présence et une transe communes. Derrière l’intensité visuelle apparaissent également les réalités invisibles de ces pratiques : la transmission des savoirs, les mois de préparation, l’engagement physique et les histoires personnelles qui permettent à ces traditions de continuer à vivre et à circuler.

L’exposition s’attache ainsi à des communautés qui produisent leurs propres formes de représentation. À travers le costume, l’ornement, la parade, la performance ou la machine, ces groupes inventent des langages visuels qui échappent aux hiérarchies traditionnelles entre culture savante et culture populaire. Derrière l’excès, le spectaculaire ou parfois le kitsch apparaissent des questions profondément humaines : comment devenir visible ? Comment se représenter soi-même ? Comment transformer un corps, un métier ou une pratique collective en espace de projection et de réinvention ?

Face à des réalités souvent marquées par le travail, la répétition ou l’invisibilisation sociale, ces pratiques produisent des espaces d’intensité où le banal se charge d’une dimension presque mythologique.

La machine finit alors par devenir corps ; le corps, machine ; et tous deux deviennent figure. Des figures hybrides, excessives, parfois fragiles, où se mêlent désir de reconnaissance, appartenance collective et invention de nouvelles formes d’identité. Dans cette économie du regard où chacun cherche à être vu, reconnu et représenté, le spectateur cesse lui aussi d’être extérieur : en regardant ces figures se mettre en scène, il participe à leur visibilité et prolonge leur puissance symbolique. L’exposition propose ainsi de regarder ces formes populaires non comme des marges anecdotiques ou exotiques, mais comme des laboratoires contemporains du sensible, capables de produire leurs propres visions du beau, du collectif et de la transformation de soi, capables d’intensifier le réel.

Credits

Conceived and produced by Hangar Blanc with the financial support of the Innotopia Foundation, Blacksheep Tribes and Carcassonne Agglo. With thanks to Graph CMI for its participation in the production.